Las Ruedas cogen velocidad

Pedro San Juan, del grupo Los Ruedas.

8 de mayo de 2011. En la sala Rock Kitchen varios grupos recuerdan lo que significó el bar Agapo como templo roquero del Madrid de hace cinco lustros. “Bueno, vale. Ok, Nastassia Kinski / si no estás tú qué pinto yo”, entona sobre el escenario Pedro San Juan, líder de Las Ruedas. ¿Las Ruedas? Sí, la banda olvidada de aquella escena malasañera, sin la aureola de Los Enemigos ni la popularidad de Los Ronaldos, reflotada últimamente por San Juan: “Siempre nos movimos en el circuito underground y en sellos indie, es lógico que no se nos recuerde más allá”. Sus aún fibrosas canciones sonarán esta noche en vivo en Alcalá de Henares, buena excusa para reivindicarles tras el documental estrenado a principios de año, Predicar en el desierto: una historia de flores y ruedas. “Lo impulsaron unos chicos de Jaén que organizan en Martos el Vértigo Estival. Y su culminación coincidió, más o menos, con el aniversario del Agapo. Motivos confluyentes para el retorno”.

San Juan admite algún momento casi mainstream en la trayectoria de Las Ruedas, como el que vivieron en Salamanca en 1986: ganar el concurso de Radio Cadena Española con las cámaras de TVE en directo y los Héroes del Silencio mosqueados por la derrota. “Iban un poco de estrellas, pero ahora te das cuenta de que eran en realidad más profesionales que el resto. Quizá el jurado valoró nuestra espontaneidad”. Pese al premio, San Juan sufrió lo suyo: “El exceso de entusiasmo y la falta de costumbre de tocar en días seguidos me hicieron perder la voz para la final. No sé cómo lo conseguimos”. Y no fue la única sorpresa: “En el Villa de Madrid del año anterior concursamos en la categoría de música heavy porque el cupo de pop-rock estaba completo. Fuimos finalistas”. Hablamos de una formación para nada metalera, influida por “The Clash y el punk del 77, Chuck Berry, Gene Vincent, la new wave o los Stones”.

Nathalie Stutzmann canta y dirige a la Orquesta de Valencia

Nathalie Stutzmann en su faceta de directora de orquesta

La contralto Nathalie Stutzmann debutará este viernes en el Palau de la Música dirigiendo a la Orquesta de Valencia, combinando su doble faceta de cantante y directora.   en el concierto que concluye la temporada de Abono de Otoño. La intérprete francesa ha cantado con los maestros Seiji Ozawa, Simon Rattle y Mariss Jansons, entre otros. Por otro lado, colabora habitualmente con formaciones como las Filarmónicas de Berlín y Viena, la Sinfónica de Londres o la Orquesta de París.

En la primera mitad del concierto de Valencia, dedicada a Johann Sebastian Bach, dirigirá diversas suites y sinfonías, y cantará una selección de arias de las Cantatas nº 133, 169, 170 y 174, así como el Erbarme dich, mein Gott de la Pasión Según San Mateo. En la segunda parte abordará las dos suites de L’Arlésienne, de su paisano Georges Bizet.

Aula Boreal canta a la Navidad

El grupo Aurora Boreal.

El conjunto coral e instrumental Aula Boreal ofrecerá mañana en Bizkaia Aretoa un concierto de Navidad, organizado por la Universidad del País Vasco (UPV), en el que interpretará 12 villancicos (auditorio Mitxelena. 19 horas)

El grupo barroco interpretará obras de Huarte Arrizabalaga, Lewis Henry, Luis de Garay, Bodin de Boismortier, Gabriel de Sostre y Sola, Antoine de Foqueray, Irving Berlin, Jerónimo de Carrión, Franz Xaver Gruber y villancicos populares en armonizaciones de José María Usandizaga y Patxi García Garmilla. La entrada es libre hasta completar el aforo.

‘La voz’ se despide con un récord de ‘share’ pero no de audiencia

Los cuatro finalistas de 'La voz': de izquierda a derecha, Pau, Maika, Rafa y Jorge

El exitoso concurso musical de Telecinco La voz se despidió ayer de su primera temporada dando el "do de pecho" con la cifra récord de un 37,3% de share pero con un tercer puesto en audiencia en la historia del programa, ha informado a Efe la cadena.

Un total de 5.453.000 espectadores siguieron ayer el desenlace de La voz, que se saldó con la victoria del heavy Rafa, como representante del equipo de David Bisbal y gracias a su interpretación de la canción The Show Must Go On, de Queen.

Este formato heredado de Estados Unidos y que ha cambiado a Christina Aguilera o Adam Levine como tutores (o "coaches", como dicen en el programa) por las estrellas locales Melendi, Malú y Rosario Flores, además de Bisbal, ha cerrado con su mejor cifra de cuota de pantalla pero no con su mejor marca de audiencia.

Toque con sonido a la antigua

"Uno intenta hacer las cosas a su forma, intentado cambiar las que ya están hechas, aunque estén muy bien, pero a tu manera. No transformar, sino aprendiendo de lo clásico para darle tu personalidad". Así fue como el guitarrista Daniel López Vicente, Dani de Morón (Sevilla, 1981), ha conseguido sacar a la luz su primer trabajo, Cambio de sentido. Todavía se pone nervioso cuando se sube a un escenario, pero de forma distinta: "Yo creo que será porque uno tiene que contar un conjunto de cosas y no solamente un toque en medio de un concierto de cante, sino que tienes que expresar que la idea del concierto sea una".  Cuando se baja de el, vuelve ha hacer lo mismo de siempre: tomarse las cervezas con sus amigos. "Tocar la guitarra es especial, pero no tanto. La gente cuando uno va al Mercadona no sabe lo que tu haces", cuenta en los camerinos del Teatro Central de Sevilla, donde se prepara para la actuación de este miércoles por la noche.

Donde duerme el cante

La cantaora Marina Heredia, en el Albaicín, Granada.

Marina Heredia vislumbra desde la Ermita de San Miguel Alto su vista predilecta de Granada. La ciudad que la vio nacer hace 32 años queda abajo, como una caprichosa maqueta que sube por las laderas. La Alhambra desde el punto más alto del Albaicín se ve muy distinta a como se contempla desde el célebre Mirador de San Nicolás. Aquí es casi una vista desde los cielos, y aunque lejana, Heredia cree ver en el horizonte la Abadía del Sacromonte en la que se casó. A Granada le debe Heredia lo que sabe como cantaora, y hoy vuelve al Auditorio Manuel de Falla para devolverle el favor. Presenta A mi tempo, su último espectáculo, con montaje en blanco y negro y tributo a los grandes del cante.

Marina Heredia baja por caminos de tierra desde lo alto del Albaicín y se adentra en las callejuelas. Al pasar ante la casa de Enrique Morente, el maestro, a Heredia la voz se le vuelve grave. Comparte el trono de las cantaoras granadinas con Estrella, la hija mayor de los Morente. “¿Rivalidad? Estrella y yo nos hemos criado juntas. Sé que ha salido en algunos sitios, pero es porque a la gente le gusta mucho hablar. Mi padre y Enrique eran como hermanos”, dice la cantaora mientras baja por las calles del Albaicín. Canturrea coplillas en voz baja siempre que el silencio le gana la partida a la conversación, y siempre que la gente del Albaicín se lo permite –hasta los conductores de autobús paran un momento para saludarla y preguntarle por la familia-. “Siempre me he sentido muy querida en Granada. Yo sí que me siento profeta en mi tierra”, dice Heredia, que baja por la Cuesta del Chapiz hasta donde comienza el Camino del Avellano, que sube hasta la fuente que le da nombre.

Más raros que un perro verde

A la vejez, viruelas. Ausentes como estamos en Valencia (casi por completo) del circuito de grandes giras internacionales, al menos nos queda el consuelo de poder apuntarnos algún tanto en las ligas menores del rock. El nombre de Meat Puppets, opaco para el gran público, adquirió tintes casi de leyenda desde el momento en el que participaron, hace ya veinte años, como banda de refuerzo en el famoso Unplugged de Nirvana, a instancias de un Kurt Cobain que les reverenciaba desde mucho antes. Su actuación del martes en Wah Wah fue, así pues, la primera que llevaban nunca a cabo en nuestro país, una suerte de exclusiva local de la que tan solo disfrutaron algo menos de un centenar de fieles. Al fin y al cabo, nada que exceda su hábitat natural, el de una amplia galería de antros de música en vivo y garitos de dudosa reputación, tal y como corresponde a sus orígenes hardcore.

Sorpresas navideñas

Se supone que uno se hace músico para noches como las del domingo en el Coliseum. En ellas, el músico se siente arropado por aquellas personas para las que de forma inconsciente escribió sus canciones, y aquel momento solitario de la composición halla su reverso en el instante participativo en el que esas canciones dejan de pertenecer al autor y comienzan a formar parte de la vida de aquellas personas que las cantan desde la platea como si estas letras, estas melodías, estos significados, articulasen instantes de una vida, y en realidad lo hacen, son vidas ajenas a la de David Carabén que él, con sus letras, explicándose la vida a sí mismo, consigue compartir.

Padres fundadores del ‘rock’n’roll’

La portada de 'King creole', de Elvis Presley.

Tal y como son hoy las cosas, cuesta imaginar que una cantante llamada Ruth Brown vendía más discos a mediados del siglo pasado que los que despacha ahora Rihanna. Como difícil es saber que, antes incluso de Elvis Presley, el incipiente rock tuvo a su mejor evangelista en un locutor de radio que respondía al nombre de Rufus Thomas. O que el hermanamiento entre blancos y negros en la sociedad estadounidense tuvo una de sus primeras cimas en elrockabilly del afroamericano Ray Sharpe. Fue el tiempo de los padres fundadores del rock’n’roll.

Una era a la que se consagran prestigiosos sellos de reediciones como Ace o Rhino y que ahora hallan su contraparte española en HooDoo Records, nacido en Barcelona y lanzado a la aventura arqueológica de desenterrar, amparados por el dominio público, a muchos de estos músicos que, desde sus distintas visiones del rhythm and blues en el Estados Unidos de los años cincuenta, dieron forma e identidad a todo el rock’n’roll posterior y sus ramificaciones estilísticas hasta nuestros días. “Hay muchos artistas que no están tan bien tratados como se merecerían por la historia”, dice Jordi Soley, responsable del sello, cuyo catálogo está formado por 68 álbumes que exploran con una admirable profundidad de rastreo el maravilloso legado de los pioneros a los que acudieron en sus comienzos The Beatles, Rolling Stones, The Clash o Nirvana, entre tantos.

Dos centenarios de postín

Georg Solti y John Cage nacieron en 1912. En Madrid se han recordado con afecto los centenarios de sus nacimientos gracias a un par de conciertos de Ibermúsica el pasado fin de semana con la Filarmónica de Londres, orquesta de la que fue director el maestro húngaro, y otro del CNDM el lunes con el joven pianista francés Bertrand Chamayou alrededor de las Sonatas e interludios del compositor estadounidense. Han sido dos homenajes muy oportunos. Tanto Solti como Cage iluminaron el desarrollo musical del siglo XX desde perspectivas tan diferentes como complementarias. Solti era un director de orquesta de una vitalidad arrolladora, tanto si afrontaba a Mozart o Beethoven como si se las veía con Verdi, Wagner, Mahler o Bruckner. Era pura pasión. Identificado fundamentalmente con la Sinfónica de Chicago, su paso por Londres fue tan esclarecedor como vibrante. En el concierto del pasado domingo Vladimir Jurowski, en cierto modo su sucesor, ofreció una lectura enérgica de la Quinta sinfonía de Mahler, después de una versión modélica de la obertura de Fidelio, de Beethoven, y de unos sugerentes Wesendonck lieder, de Wagner, con arreglos de Hans Werner Henze, contando como solista con la sensible cantante sueca Anna Larsson. La pieza ofrecida como propina -el Preludio del tercer acto de Los maestros cantores, de Wagner-, sonó de una manera magistral desde el punto de vista humanista, y quien sabe si debido a ello Solti salió del altar de la memoria y se mostró más cercano, no tanto por una imitación al pie de la letra de su manera de dirigir sino por cierta atmósfera creada por Jurowski a medio camino entre la intensidad expresiva y el sentimiento a flor de piel. Lo de John Cage es otra historia, más ligada a la evolución del arte de los sonidos y a la creación de unos horizontes imprevisibles hasta ese momento. El homenaje se realizó desde el piano. O más bien desde los pianos, incluyendo uno de juguete para la Suite for Toy Piano, de 1948. Bertrand Chamayou interpretó asimismo Child of Tree, de 1975, un solo de percusión para tiestos de cactus y otras plantas de material vegetal, con el toque conveniente de amplificación. La base del concierto fue una selección de las sonatas e interludios para piano del compositor. La resolución tuvo tanta fantasía como pulcritud. Fue un concierto en cierto modo didáctico, del que emergió en todo momento una sensación testimonial del paso del tiempo Los dos homenajes han trascendido su condición de celebración cordial, demostrando, si hacía alguna falta, que Solti y Cage continúan hoy tan vivos como en sus mejores momentos.

La madurez y el sonrojo

Se hace raro ver a Melendi en diciembre, periodo en que las barbies de extrarradio y sus reglamentarios churris suburbiales andan algo mohínos, preocupados por la primera evaluación y los engorros familiares, abrigaditos hasta las orejas y sin apenas margen para el alboroto hormonal. Claro que el ahora también animador televisivo es un artista en pos de su madurez, como ya proclamaba con su anterior Volvamos a empezar y reiteró anoche en el estreno de Lágrimas desordenadas, patrocinado por una compañía telefónica que convocó a mozalbetes monísimos y sirenas de piernas infinitas. Eso sí: La Riviera sigue sonando a rayos, por muy beautiful que sea la concurrencia.

Ramón Melendi endosó sus 11 nuevas canciones y certificó que a los más fieles les han bastado unas pocas semanas para interiorizar las letras. Un prodigio de enjundia y lirismo, sin duda. El asturiano se nos muestra lírico y enamoradizo en Tu jardín con enanitos (“Quiero que lleves tu falda y también mis pantalones”), analiza con sagacidad los resortes del desapego en Cheque al portamor (“Ahora vete en busca de aquella cartera que sostenga tus tratamientos de belleza”) y, aún mejor, se transmuta en autor concienciado en De repente desperté: “El poderoso pinta garabatos para lavarse las manos después”.

Voz rasposa y de garrafón, retratos trillados de la canallesca noctámbula, una retahíla monótona y redundante para las melodías. Ramón pretende emular el rock urbano de Extremoduro o Sabina, pero aún no ha superado la etapa de párvulos.La que corresponde intelectualmente a esas letras que pretenden ser confesionales y encallan en el bochorno. Ningún ejemplo mejor que Mi primer beso, sonrojante crónica de escozores genitales en la primera cita. Debió sentirse picaruelo y hasta incluyó guiños onanistas (“agítame antes de usarme”), pero solo suscita un sentimiento españolísimo: la vergüenza ajena.

Marina Heredia: “La industria del disco ha tenido al flamenco en un rincón”

Marina Heredia en el ensayo de 'A mi tiempo' para la la Bienal de Sevilla.

La cantaora granadina Marina Heredia ha presentado este lunes en Granada su reciente espectáculo, A mi tiempo, del que saldrá el próximo año un nuevo disco autofinanciado. La artista ha destacado la dificultad actual de los cantaores para publicar sus trabajos. “La industria del disco ha tenido al flamenco en un rincón”.

Heredia dará este sábado un concierto en el Auditorio Manuel de Falla de Granada para presentar su proyecto, con el que ha hecho una revisión del flamenco en diferentes épocas para "actualizar" cantes y cantaores y reivindicar el tiempo personal. En su espectáculo, que se presentó en la Bienal de Flamenco de Sevilla, contará con la colaboración especial de la Comparsa de los Gitanos del Puerto de Cádiz y la de su padre, Jaime Heredia El parrón.


Con A mi tiempo, Heredia ofrecerá un repertorio con palos que hasta ahora no había tocado en público y temas variados, dedicados a homenajear a grandes del flamenco para reivindicar este arte. "El flamenco es el último remanso de paz que nos queda. Llegas a un espectáculo, apagas el móvil, te olvidas de todo y hasta del tiempo que llevas disfrutando", considera la artista.

En la actuación que ofrecerá en Granada, Heredia se atreverá con una milonga o una caña, que hasta ahora no había interpretado en sus discos, pero también con fandangos, seguirillas y una bulería para rendir tributo al Lebrijano. Entre sus temas ha destacado además una rumba para recordar a Bambino, una bulería por Camarón y un tango en honor a Enrique Morente.

Del concierto en el Auditorio Manuel de Falla saldrá en 2013 un disco autoproducido que llevará el mismo nombre del espectáculo, A mi tiempo. La cantaora se ha referido a lo "complicado" que es grabar un disco de flamenco, por lo que se ha considerado afortunada al poder autoproducirse con un repertorio de temas seleccionados por ella misma.  "La industria del disco ha tenido siempre al flamenco en un rincón, ahora no se apuesta nada por este género", resalta la cantaora Heredia durante la presentación de su nuevo espectáculo.

Diana Krall revisa los orígenes

Diana Krall en un concierto en san Sebastián en 2008.

Diana Krall, la gran diva del jazz, es el primer gran nombre confirmado por el Jazzaldia para su 48 edición, que se celebrará entre el 24 y el 28 de julio. La artista junto al histórico Pharoah Sanders constituyen la avanzadilla del festival donostiarra que se completa con otras voces emergentes, según ha anunciado la organización en un comunicado, y entre las que se encuentran Gregory Porter y Youn Sun Nah, y veteranos, como Dave Douglas, Steve Swallow y Steps Ahead.

Krall llegará a San Sebastián –actuará el 28 de julio- con su proyecto Glad Rag Doll, una zambullida en los comienzos del jazz, en las creaciones alumbradas entre los años 20 y 30 del siglo pasado.La pianista y cantante se ha sumergido “en la colección de discos de su padre, de aquellos discos que giraban a 78 revoluciones por minuto y que tienen un sonido tan imperfecto como entrañable”.


Con la actuación de Pharoah Sanders (24 de julio) el festival donostiarra parece cumplir un sueño. El músico es una de las “muy escasas grandes figuras del jazz” que aún no había pasado por San Sebastián, como recuerda la organización del festival. El artista, “probablemente el mejor saxo tenor del mundo”, según Ornette Coleman, fue uno de los músicos que acompañó a John Coltrane en la grabación de Ascension y Meditations, y su tema The Creator Has a Master Plan está considerado una de las obras cumbres del género.


La lista de anuncios continúa con Gregory Porter y Youn Sun Nah. El primero, “el próximo gran vocalista del jazz”, según la crítica especializada, cuenta con dos trabajos publicados Water y Be Good y con otras tantas nominaciones a los Grammy, mientras que la segunda posee “una voz asombrosa”, aclamada en los principales festivales del género del mundo.

Dave Douglas llegará a San Sebastián acompañado de su quinteto, el trompetista, figura clave del jazz contemporáneo, además se servirá de Aoife O’Donovan, “cantante de voz cristalina”, junto con la que ha alumbrado su primer proyecto que incluye canciones y no es exclusivamente instrumental. Steve Swallow, bajista eléctrico afamado por la principal publicación de jazz de Estados unidos, Down Beat, actuará junto a su quinteto, del que destaca Carla Bley, pianista y compositora, bajo cuya colaboración se han publicado algunos de los mejores trabajos de las últimas décadas.

Madrid era Leipzig

Todo empezó en 2004. Oscar Gershensohn con La Capilla Real de Madrid y Alberto Martínez Molina con Hippocampus unieron sus fuerzas para desarrollar en iglesias y recintos históricos de la capital un ciclo con la integral de las cantatas y otras obras de música religiosa de Bach. Este fin de semana culmina la extraordinaria experiencia- 150 conciertos, casi 70.000 espectadores- con la primera de las cantatas de Navidad, la BWV 248, la BWV 143 y la popular BWV 147. De esta última se invitó al público, que abarrotaba ayer la parroquia del Perpetuo Socorro, de la calle de Manuel Silvela, a cantar como propina el coralJesus bleibet meine Freude, de la BWV 147 -se repartieron partituras- en una atmósfera de alta tensión emocional, que propició las lágrimas tanto del público como de excelentes instrumentistas como Ruth Verona, violonchelo, o de Elena Borderias, viola, o el nudo de en la garganta de la extraordinaria violinista Kerstin Linder-Dewan. El público respondió al reto y Madrid, por unos momentos, parecía Leipzig. Era Leipzig.

El concierto transmitió una irresistible vitalidad desde el comienzo, como si las primeras palabras del coro de la cantata BWV 248. “Regocijáos, alegraos”- fueran una contraseña. Gershensohn impuso un ritmo frenético, demostrando una gran complicidad con sus músicos y cantantes. Todos sonreían. Bach resultaba cercano, incluso familiar. Los puristas seguro que sacan más de un defecto. En esta ocasión era secundario, pues lo que más importaba era el espíritu de fiesta, de aventura artística compartida. Marta Infante e Inma Férez brillaron particularmente entre los solistas vocales. Y Alberto Martínez desde el órgano, y…Pero lo que realmente contaba era el lado solidario, colectivo. Esta tarde se pone, en la misma iglesia a las 16 horas, el punto final de esta iniciativa ejemplar, que ha contado con 21 grupos y con solistas invitados de la talla de Gustav Leonhardt y Christophe Coin. Por valentía y por tenacidad este proyecto ha sido de los de quitarse el sombrero.

Que el público elija la mejor, son 1.000 euros

El Sedajazz Latin Ensemble en una actuación del Palau de la Música.

Si alguien se pregunta cómo puede sonar una composición jazzística inspirada en la energía sostenible, mañana es su día, porque en el auditorio Joan Plaça del Jardín Botánico de Valencia se dilucidará cuál es la mejor de las piezas presentadas al concurso Jazz, Energía y Sinergia, promovido por Sedajazz Colectivo de Músicos y la Sociedad General de Autores de España (SGAE). El premio, otorgado por esta entidad, es de 1.000 euros.

Veintidós piezas se han presentado a concurso, procedentes de distintos puntos de España, de Chile, Cuba, Estados Unidos, Holanda y Alemania. "Este concurso ha sido la forma de dar visibilidad artística a la importancia de la energía que se desprende de cualquier tipo de proceso creativo", explican desde el colectivo organizador, que remata con una mezcla de concierto y fallo del jurado que tendrá lugar este sábado por la tarde en el Botánico, sede de un ciclo de jazz que durante los últimos meses ha buscado relacionar cada actuación con un tipo de energía renovable, ya sea viento, agua, sol o biomasa.

"Llega el momento de desbordar la energía contenida en las composiciones que participan en el concurso", señala Francisco Blanco Latino, director del Sedajazz Latin Ensemble que interpretará en este concierto los ocho temas finalistas del certamen. Los organizadores subrayan que tendrá un importante papel el porcentaje representado por el público, así como el voto del autor y músico Dani Flors, que representa a la SGAE.

El objetivo adicional es poder grabar un nuevo disco del Sedajazz Latin Ensemble con los temas finalistas del concurso.  El primer álbum de este combo valenciano fue el titulado Este también, que obtuvo  el reconocimiento de la revista Cuadernos de Jazz como Mejor Disco de 2000  y resultó prenominado para un a Grammy en 2001

  "Lo más importante es continuar creando energías y sinergias, tanto en la naturaleza como en las relaciones humanas, en nuestras vidas o, puede, también por ellas". Este es el mensaje que lanza el colectivo con el concierto final del sábado.

FUENTE: El País - CULTURA

De La Latina al cumpleaños de un millonario ruso

El grupo madrileño The Right Ons.

No, no les vamos a contar la fábula, mil veces oída, del grupo de rock con un ascenso fulgurante al estrellato. La de los Right Ons, como ocurre la mayoría de las veces en la vida real, es más modesta y probablemente más divertida. Porque la del quinteto madrileño es la historia de un grupo osado y sin prejuicios que, como ellos mismos dicen, se apunta “a un bombardeo”. Hace unos años, el cantante Álvaro Guzmán y el guitarrista Rafa Fernández tocaban todos los domingos en una calle de La Latina (“le dábamos vidilla a la Costanilla de San Andrés y sacábamos para croquetas y cañas”, dice Guzmán), y de ahí a tocar canciones tradicionales rusas en la fiesta de cumpleaños del “número uno del petróleo en Rusia” hay un trecho, que ha incluido conciertos en varios continentes y también en el interior de un coche de nombre engañosamente minimalista (cupieron los cinco, instrumentos incluidos).

Procedentes de bandas como Jet Lag, los Right Ons surgieron hace cinco años y su nombre ya daba una idea de por donde iban los tiros: soul y funk con actitud roquera. El volcánico James Brown exteriorizaba su aprobación en los conciertos con gritos de “right on, right on”, una expresión adecuada al espíritu lúdico que buscaba el grupo: “La acepción más vulgar y directa sería ‘de puta madre”, explica Guzmán en un café de la Plaza de Isabel II: “Y si queremos ponerlo más madrileño, seríamos Los Debutis”.

Poco a poco, los Right Ons fueron dejando de lado las raíces negras para adoptar un sonido más cercano al rock de los setenta, plasmado en su tercer álbum, Get out (2011), un disco conciso y rotundo cuya gira acaba esta noche en Joy Eslava. “Con esta actuación cerramos una etapa, será especial porque muchos de los temas no vamos a volver a tocarlos. Estamos probando una nueva línea de trabajo”, revela el vocalista. “Sí, tal vez haya un cambio de estilo”, puntualiza Martín Muñiz, teclista. ¿Hacia dónde? “No lo sabemos, pero en enero entramos a grabar nuevas canciones”, señalan, antes de aventurar que, quizá, éstas tengan un punto más electrónico, al modo de los franceses Justice.

También pudiera ser que se estrenen componiendo en castellano, una inquietud nacida tras una colaboración fallida con Loquillo: “Estuvimos trabajando con canciones de Sabino [Méndez] y nuestras. A Loquillo le gustan los Right Ons y surgió la idea de hacer un disco conjunto que al final no ha salido, pero nos despertó el gusanillo de grabar en español”, cuenta Muñiz. No sería tarea complicada para Guzmán, que ya ha cantado en ruso: “Era la fiesta de cumpleaños de un magnate del petróleo, en una mansión de Mallorca. Me tuve que aprender fonéticamente una canción tradicional, Katyusha. Mira, todavía me acuerdo”, dice el cantante, que entona de carrerilla la composición que animaba a los soldados soviéticos en su marcha al frente, y de repente parece que las cañas se han convertido en vodkas y en Ópera hace un frío aún más helador.

The Right Ons actúan hoy, 14 de diciembre de 2012, a las 19.00 en Joy Eslava. Entradas: 16 euros.

A la salud del padrino ‘mod’

El músico estadounidense Bart Davenport.

Parkas en Siroco. Suena a contradicción meteorológica si no fuera porque The Jam resucita esta noche en dicha sala. O al menos Sound affects, su obra magna según Paul Weller, el líder de la banda que impulsó el revival mod entre los setenta y los ochenta. La lluvia quizá desaconseje las Lambrettas pero, 32 años después, el disco de los británicos llega en la voz del cantautor californiano Bart Davenport (Oakland, 1969), aliado con los catalanes Biscuit para una gira de homenaje con parada en Madrid. “A los 15 me dije que sería mod toda la vida. Y se ha cumplido, pero solo cuando quiero”, espeta con sorna Davenport, admirador loco de Weller entonces (“intentaba hacer todo como él”) y artesano ahora de un pop exquisito que bebe del folk, elsoft-rock y el soul. “Pasé de versionar a The Jam en el instituto y llevar sus mismos zapatos blanquinegros a ejercer de purista del rhythm & bluescon The Loved Ones, una banda de San Francisco. Hoy todavía me influye Weller con su carrera en solitario”.

Artistas que aman discos ajenos

La promotora catalana Houston Party le encontró en el año 2009 una vuelta de tuerca a la moda de artistas que tocaban completo alguno de sus propios discos: pedir a un músico que saliera de gira para interpretar una obra ajena. Desde entonces, Giant Sand ha rendido homenaje aJohnny Cash, The Posies aTeenage Fanclub, Clem Snidea Neil Young, Chuck Prophet aThe Clash, Micah P. Hinson yTachenko a The Pixies y ahora el tributo de Bart Davenport y Biscuit, estos casi en su vigésimo aniversario, del punk garajero al pop: “Bart vino a ensayar una semana a nuestro pueblo, Vilanova i la Geltrú, y aunque a nosotros nos van más los primeros The Jam, este disco era todo un reto”.

A Weller, pese a su poliédrica trayectoria, se le conoce como el Modfather. Una reducción: The Jam es, junto a The Clash, la gran banda inglesa del periodo punk-new-wave-pospunk. Y el disco Sound affects, en palabras de Davenport, “una asombrosa obra madura de un chaval de apenas 22 años”. El de Oakland se explaya: “Weller aquí deja de imitar a The Who y a The Kinks por un tipo de canción pop más contemporánea, reflejo de la sociedad británica de la época”. Tiempos de Thatcher, expuestos como fotografías en la célebre That’s entertainment o en Man in the corner shop, la composición favorita para Davenport del álbum. “Aunque no llego al tono de Weller al cantarla. El texto es muy british, pero a la vez universal y vigente”. Y al californiano se le desmelena la pasión, con sordina: “Pese a ser una rockstarya a los 17, Weller siguió siendo un poeta de la gente corriente. Ahora es más una estrella tipo Clapton, pero canta mucho mejor que él”.

El mercado estadounidense esquivó a The Jam quizá por su exceso de idiosincrasia británica. “Sus letras me resultan como representar a Shakespeare o a Dickens, viene a ser lo mismo que interpretar un personaje. Tengo que fingir el acento, igual que no tendría sentido cantar a The Beach Boys o flamenco con acento de Coventry”, razona Davenport. Sobre el escenario, como preferida del disco entre los ejecutantes de este tributo figura Start!: “Sonamos en ella compactos. Su ritmo provoca el baile, y el público se sabe la letra”. La canción fue un número uno controvertido para The Jam por el obvio saqueo de la línea de bajo de Taxman, corte de George Harrison que abre el Revolver de The Beatles (él no dijo ni mu, inmerso en su caso de plagio por My sweet Lord). “Yo he hecho muchas de esas, pero Weller pertenece a la raza privilegiada de los que copian de sus influencias teniendo a la vez algo nuevo que decir. Lo hizo Dylan con Woody Guthrie. O Tom Petty con The Byrds”.

Davenport cambió hace poco San Francisco por Los Ángeles. Y en Madrid posee lazos en la escena indie. Como los beats no le son extraños (los impregna de soul con Honeycut, uno de sus proyectos paralelos), produjo el debut electro-pop de Linda Mirada. Y el sello madrileño Lovemonk ideó y editó la ópera prima de otra de sus actividades alternativas, el grupo Incarnations; también va a publicar para toda Europa su próximo álbum como solista. “Ya está grabado, con una producción algo ochentera e influjo de The Style Council, la bandasoul-pop que Weller creó tras disolver The Jam en pleno éxito”. A Davenport eso no le inspiró para escribir Fuck fame, uno de sus nuevos temas: “No es una renuncia a la fama, sino una oda a los héroes anónimos de la pista”. La de Siroco tiene la palabra.

Bart Davenport y Biscuit actúan hoy a las 21.30 en Siroco. 12 euros.

Notas de unas fiestas

Intérpretes de gospel que intervendrán en el teatro Fernán Gómez.

El sonido natural de la Navidad no tiene por qué llevar incorporado el tintineo de la pandereta o la fricción sorda de la zambomba. Madrid se convierte estos días en una gran fiesta navideña con el sonido del barroco, la suntuosidad de los oratorios de autores como Berlioz o la música de cine.

Un festival condensado. El Festival Vía Magna arranca esta noche con 22 conciertos repartidos por salas e iglesias de toda la ciudad. Hasta el día 28 de diciembre los acordes de los Himnos de Coronación de Haendel y los villancicos se mezclarán con los espirituales negros del Black Light Gospel Choir o las canciones de Carlos Chaouen. Todo en clave navideña, y con un tercio de los conciertos gratuitos y otros cuyas entradas no sobrepasan los 10 euros. Para ver las fechas y horarios de los conciertos, consulte la página del festival (http://www.festivalviamagna.com).


Los niños toman el testigo. Las voces de los niños se identifican a menudo con el repertorio navideño más allá de las funciones escolares y los coros de campanilleros. La Escolanía del Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial llega al Auditorio mañana para abrir la Navidad en el coliseo de Príncipe de Vergara. Interpretarán villancicos, pero no los tradicionales, sino los que compuso el Padre Antonio Soler, compositor del barroco tardío, piezas cortas, amenas y muy festivas. Rematarán con el Gloria de Vivaldi, una obra compleja y un final solemne al concierto.

Solistas de Ópera en el festival Vía Magna.

Locura ‘gospel’ en el Fernán Gómez. Además de los conciertos del Festival Vía Magna, también habrá gospel en el Teatro Fernán Gómez. Cinco coros estadounidenses (venidos desde Nueva Orleans y San Francisco) interpretarán hasta el día 16 lo mejor de sus repertorios en el teatro de la plaza de Colón. Las entradas tienen un precio de 30 euros.

La danza española y flamenca aterrizan en el Teatre Arniches

La compañía de José Huertas sobre el escenario.

Más flamenco en el Teatre Arniches de Alicante que recibe el próximo domingo a las 19 horas a la Compañía Mediterráneo, que dirige José Huertas. Una compañía valenciana, que celebra su primer año de vida, llega a Alicante tras su paso por el Teatro Talía de Valencia y su debut internacional en Tailandia (Bangkok).

El espectáculo ‘Mediterráneo’, en el que el público podrá disfrutar de solos, pasos a dos, a tres y coreografías grupales, supone, según su director, José Huertas, “once piezas ejecutadas con mucho gusto, arte y elegancia por nuestros bailarines, chicas y chicos jóvenes y con tantas ganas de experimentar que nos están permitiendo darle un nuevo estilo a la danza española: bailarla con un bolero, mezclada con contemporáneo o con un bastón más tradicional, pero sin perder nuestra identidad como flamencos”.

José Huertas nació en 1970 en Morón de la Frontera, Sevilla. Después de años de formación y trabajo en distintas compañías, da el gran paso a los veinticuatro años, cuando entra a formar parte de la compañía de Antonio Gadés. Dos años después ya era el primer bailarín de la compañía, sustituyendo al propio Antonio. A partir de ahí comienza una extensa carrera que le lleva a bailar en las más reconocidas compañías nacionales de danza española y flamenco.

Pop estrany per a temps confusos

Els components de Mi Sostingut.

En temps de confusió i deshumanització, de crisi i barbàrie, de creixent angúnia vital, s’agraeix que alguns creadors es despengen de la solemnitat, ens agiten i ens ajuden a espolsar-nos l’angoixa. Encara més si la proposta no es queda en l’agitació sense molla, si hi ha una sòlida bastida artística que sostinga la construcció. Quan, temps enrere, Mi Sostingut encara era el projecte unipersonal del músic de la Pobla Llarga Josep Artés, ja s’albirava que ocuparia un lloc destacat en la divisió surrealista de l’escena musical valenciana, compartint pòdium amb Toni de l’Hostal i els Ovidi Twins. Amb la gravació d’una de les maquetes, Artés aconseguí el premi a la formació revelació dels Ovidi Montllor, l’any 2010. Malgrat les impureses, aquelles cançons que Artés anava penjant en el seu espaterrant bloc, A ta mare va que fumes, apuntaven coses. Mancava vestir-les amb una complexitat sonora més elevada. Amb la incorporació primerament de Martín Martorell (baix i veu) i més tard de Raül Uberos (guitarra elèctrica), el Beato (percussió) i Grefu (teclats i veu), s’hi anaren sumant visions i versatilitat instrumental. Faltava algú que acollira el projecte, en aquest cas la sempre interessant discogràfica LaCasaCalba. I, finalment, algú que compartira l’univers psicodèlic dels Mi Sostingut i donara forma a les cançons, tasca de producció que va recaure en Pep Toni Ferrer, cap visible dels mallorquins Oliva Trencada.

El resultat de totes aquestes conjuncions, més terrícoles que astrals, ha estat un disc de debut més que notable, Projecte escolopendra, un treball que sembla concebut perquè el peculiar univers d’Artés trobe un vehicle expressiu confortable: cançons dedicades a una operació a cor obert, al psiquiàtric Pare Jofré, al sol de València, a l’amor homosexual entre obrers de la construcció (Brokeback formigonera) o a trobar una connexió espiritual entre el filòsof medieval Ramon Llull i el malaurat líder de Nirvana Kurt Cobain. Tot això i més encara, abans d’acomiadar-se amb l’esbojarrada Els quatre teletubbies de l’apocalipsi. Però per a sostenir la humorada, que hi està ben present (si no, no tindria sentit fer rimar “embruix” amb “entrecuix”), hi ha una tasca d’inquieta recerca sonora lliure de prejudicis: teclats espectrals, tornades pop, cors jovenívols (recolzats en la bonica veu de Grefu), ambients d’ultratomba, xilòfons, palmes, guitarres distorsionades o ritmes dislocats conviuen sense disfuncions en un mateix espai. Que és el mateix que dir que la banda ha trobat un so característic, una mena de pop estrany que es podria fer servir com a banda sonora d’aquesta era de confusió permanent.

“És una mena de recopilació de les maquetes que havíem fet, cançons que havien estat bastant maltractades"

Sobre els inicis solitaris de Mi Sostingut el mateix Artés aclareix que “no tocava a soles per vocació, sinó perquè no trobava ningú. Més que res per la urgència d’exposar les cançons al més aviat possible”. Així fou. I alguns dels nous membres, que havien escoltat els temes en el bloc, s’hi anaren afegint de manera natural, “sense premeditació”. “En la mesura que s’hi acoblaven nous membres, tothom volia aportar-hi coses, que les cançons foren riques musicalment, que Mi Sostingut no fóra el grup de suport a un autor, sinó que fórem una banda cohesionada i la música no es quedara com un complement a les lletres, que hi haguera un discurs darrere”, reivindica Artés.

Fou el Beato qui proposà encomanar la producció a l’imaginatiu Pep Toni Ferrer. “Ja el coneixíem personalment i musical i a tots ens va semblar molt bé. Coincidíem en el fet que era una bona idea encara que, al mateix temps, no sabíem que en podia eixir. En tot cas, pensem que ha quedat molt bé, estem satisfets”, raona Artés. Una ceba encara amb més capes. El nom del disc, Projecte escolopendra, fa referència, d’una banda, al caràcter del treball. “És una mena de recopilació de les maquetes que havíem fet, cançons que havien estat bastant maltractades i que ara eren gravades i arranjades per a prendre la forma definitiva, com una mena de culminació d’un procés. Però el títol també venia de la novel·la de William Burroughs El banquet despullat, en què apareixen moltes escolopendres. De fet, la influència de Burroughs és bastant patent en algunes lletres”, assenyala Artés. Un còctel servit en directe en dues versions, una de més acústica i una altra d’elèctrica, en xicotetes dosis d’un concert, aproximadament, per mes. “Un nombre d’actuacions adequat per a assajar i mantenir la tensió sense avorrir el personal”, apunta el fundador de Mi Sostingut. Però no sembla que “avorriment” siga, justament, el terme adient al cas.