El finiquito de Milkyway

El músico catalán Guille Milkyway con el atuendo
que suele llevar en sus conciertos.

Se supone que la pose de un músico indie es precisamente no tener pose, huir de las actitudes de diva, pero esa naturalidad se traduce muchas veces como falsa modestia o la pretenciosidad. Eso no ocurre con Guille Milkyway, nombre artístico de un barcelonés nacido en 1974 cuyo proyecto más conocido es La Casa Azul. Milkyway suena dubitativo, atropellado, cuando habla, porque parece estar en permanente lucha para transmitir de manera fiel y honesta sus pensamientos.

Se diría que no tiene miedo de quedar como un bicho raro. “A mí me cuesta mucho el mundo de la noche, porque no me desenvuelvo bien y veo que la gente se comporta de manera extraña", cuenta Milkyway desde su estudio en Barcelona: “Y cuando encuentro gente que no lo hace, como Luis y Belén , los que llevan el Ocho y Medio, me siento cómodo”.

Rusalka vuelve al Liceo como prostituta

Un momento de los ensayos de Rusalka en el Liceo.

Tras casi medio siglo de ausencia, el sábado regresa al escenario de las ramblas Rusalka, la más importante de las óperas que compuso Antonin Dvorák, la trágica historia de la ondina que, por amor, quiso ser humana, con fatales consecuencias. Compuesta en 1901, esta obra que es título de referencia de la ópera checa y se representa habitualmente en los escenarios operísticos centroeuropeos, pero no se programa con frecuencia en la Europa meridional. Llegó por primera vez al Liceo en 1924 y se representó por última vez en su escenario en la temporada 1964-1965.

Víctor Manuel: “Nadie va a hacer jamás que me sienta extraño en Cataluña”

En cantante Víctor Manuel en pleno concierto.

Esta noche Víctor Manuel regresa a Barcelona para presentar en el Gran Teatro del Liceo (21.00) su espectáculo Vivir para cantarlo,un recorrido personal por las canciones más relevantes de su ya larga carrera en un formato íntimo acompañado solo por un piano y una guitarra. Víctor Manuel San José (Mieres, 1947) se inició en el mundo de la música en 1966 y desde entonces ha editado más de 30 discos. El último con un extracto de esta gira. “Nunca he tocado en el Liceo, ni siquiera he estado viendo otro espectáculo, pero conozco bien su importancia en toda Europa”, señala el cantautor asturiano.

Pregunta. Se trata de una gira autobiográfica, ¿cierto?

Respuesta. Sí, quería hacer algo que no hubiera hecho antes y que no hubiese visto hacer. Es un concierto muy hablado, voy explicando cronológicamente las canciones.

P. Su último disco con material nuevo se publicó hace ya cuatro años...

R. Estoy componiendo pero ahora sacar un disco es echar una botella al mar, no sabes quién la recibe, pero si tus armas son escribir canciones y cantarlas no puedes renunciar. El país está lleno de gente escribiendo canciones, pero la mayoría ha interiorizado que de esto ya no se vive, es un trabajo de fin de semana y el resto del tiempo hay que dedicarse a otra cosa.

P. ¿Cuál es el papel de la industria discográfica en ese contexto?

Virtuosismo de neón

A las nueve en punto, para no perder ni un minuto, un aullido eléctrico restalla como un trueno desde bambalinas en una abarrotada La Riviera. Las primeras ráfagas son efímeras, pero premonitorias: dejan pocas dudas sobre lo que se nos avecina. Porque el caballero de sombrero negro, gafas oscuras y pantalones polícromos que al rato se adueña del escenario ya no dejará de ametrallarnos a fusas y semifusas durante dos horas muy largas. En todos los sentidos.

Steve Vai, ya lo sabrán ustedes, es un virtuoso. Un caballero capaz de pulsar más notas en la guitarra que casi cualquier otro espécimen del género humano. Ha superado en técnica a Frank Zappa, Eddie Van Halen o Joe Satriani, sus grandes mentores, y puede tocar a soplos o mordiscos, con las dos manos sobre el mástil, puntear con el instrumento a la espalda y hasta colocarse neones en las manos, el rostro (con una máscara de soldador) y todo el cuerpo paraSalamanders in the sun, de resultado más cómico que impactante. Lo suyo no es un concierto, sino un clinic, una extensa clase magistral para que su muy heterogéneo público exclame “¡ooohhh!” y pulverice las baterías de los móviles. Pero, más allá de merecer DVD metodológicos y extensos artículos laudatorios en las revistas guitarreras, Vai aporta poca música. Mucha técnica, en ocasiones asombrosamente pulcra, al servicio de la posturita.

Le escoltan el hábil y joven guitarrista Dave Weiner, la osada arpista eléctrica Deborah Henson-Conant (de cuero riguroso a sus 59 años) o un batería, Jeremy Colson, que también introduce el factor hortera del neón. Todo es tan aparentemente espectacular como, en último extremo, anodino. Salvemos algún solo apoteósico (Audience is listening), el flirteo orientalizante de Treasure island, la inusual baladaRescue me or bury me. El resto es una bacanal de notas. Música para una Expo.

Roberto Tierz: “Cada cop veig més crispada la gent”

Roberto Tierz creu que avui és molt més difícil programar música
a les sales perquè els gustos de la gent estan molt més barrejats.

Roberto Tierz comanda el Sidecar de la plaça Reial des de la inauguració, el 1983. El seu recinte compleix 30 anys, fet que el converteix en una de les sales de concerts deganes de Barcelona. Amb 54 anys, Tierz és del reduït nombre d’empresaris nocturns que ha vist canviar la ciutat davant dels escenaris.

Pregunta. Ha canviat molt el públic aquestes tres dècades?

Resposta. Avui té més oferta, diversifica els seus gustos i es donen barreges estranyes. Abans, un rocker o un modtenien gustos més previsibles. Però un canvi cabdal és que veig la gent més crispada, veig conductes que no m’agraden, més tensió.


P. Treballar de porter avui dia deu ser complicat.

R. I tant! És molt complicat perquè la gent sap que no poden resoldre les disputes a cops, amb violència. És lógic, és clar, però llavors veus gent que puja de to perquè la resposta del porter ha de ser molt prudent. El personal ha d’anar amb molt de compte i aguantar molt, repeteixo: es veu més crispació a l’ambient.

P. I els gustos del públic estan més barrejats?

R. Abans es feia servir el concepte de tribu, que es referia a punks, rockers, mods... i ara la idea de tribu no serveix, perquè tot està molt més barrejat, excepte potser el hip-hop. Abans pertànyer a un d’aquests grups representava una manera de comportar-se, de sentir i de viure, i ara tot és molt més barrejat, gràcies a la xarxa. Les influències es multipliquen. Em passa amb la meva filla, que no escolta discos, escolta cançons i guarda la que li agrada. Li pot agradar des d’una peça rockera a un hit per a adolescents. Té 14 anys. La música ha perdut part de les seves significacions. Abans, si a un li agradava el rock i coneixia a un altre rocker, ja el considerava un dels seus, s’entendrien segur, convençuts que pensaven el mateix. Ara, els punts de diferència són si ets d’Apple o de Microsoft. La bandereta que ensenyes per identificar-te ha canviat.

P. Llavors, programar avui...

R. Doncs és molt més complicat. Hi ha molta més oferta, i diversa, i és difícil encertar el poder de convocatòria dels artistes. Als inicis dels vuitanta tots érem en tots els concerts, eren els mateixos, hi havia poca oferta. Ara no és així.

P. Està equilibrada l’oferta amb la demanda?

R. Crec que no, a Barcelona hi ha més oferta que demanda. Abans es deia que no hi havia sales, ni grups, i ara hi ha de tot menys públic. He fet proves, he programat grups de manera gratuïta i no han vingut més clients que quan posava preu a taquilla. Aquella curiositat del “vaig i miro què fan mentre prenc una copa” ja no existeix.

P. A què ho atribueix?

R. A l’educació i a una perspectiva errònia des del sector, que té unes expectatives que no es corresponen amb la realitat: igual no hi ha tanta gent a qui interessi la música en directe per consumir-la com una companyia, com quelcom que forma part de la sala, com un fons mentre prens copes… Tot això al marge dels festivals, que són una revetlla molt xula a la qual assisteixo cada any, però són una altra cosa.

P. Què pensa dels concerts domèstics, en domicilis particulars?

R. Tot i que els empresaris els miren amb hostilitat, crec que són el que al cap d’un temps fa que es generi afició. Aquestes coses generen mercat. El que és important és que la gent també cregui que s’ha de pagar per la música en directe. Crec que tot suma per fer públic. Veig altres ciutats d’Europa, tipus Berlín, on la legislació no es tan estricta i estan fent coses molt adients. He vist concerts en botigues de souvenirs. Ho fas aquí i la tens muntada. En aquest sentit, hi ha països europeus que han anat deslegislant. Amb cada canvi polític es legisla sobre el que ja està legislat i arriba un moment que tens tantes coses per complir que és un problema. Em passo la vida mirant si compleixo totes les normatives, el meu gestor està a l’aguait i tenim requeriments que són ridículs, però que has de complir per llei tot i que saps que es tracta de tonteries.

P. I també és semblant la música que punxen a la sala?

R. Hi ha dies que s’assemblen molt a fa 20 anys, i persones que tenen la mateixa pinta.

P. Però atesa la situació de la sala, un imagina que tindran molts estrangers entre el públic.

R. No tants, un 25% de l’assistència en un context de sales i locals que poden arribar a més d’un 90%. Per nosaltres representa un orgull que la gent de Barcelona sigui el gruix de la clientela.

P. Quin percentatge de guanys hi ha entre barra i taquilla?

R. Barres, un 90%; taquilles, 10%. Si Sidecar fos un teatre que tanqués un cop acabada la funció, fa anys que no hauríem tornat a obrir. Les sales, principalment les petites, vivim de les barres, com els cines de les crispetes.

Luís Eduardo Aute: “Estamos gobernados por terroristas financieros”

Luís Eduardo Aute

Tras 46 años de carrera profesional, Luis Eduardo Aute no baja la guardia. Su último trabajo recién editado, El niño que miraba el mar, incluye un cedé con 12 canciones y un DVD con la película de animación El niño y el basilisco realizada totalmente a mano por el propio artista. El próximo viernes, Aute presentará este trabajo en Barcelona, en la sala Arteria Paral.lel.

“Primero se proyecta la película que dura unos 20 minutos y después viene el concierto”, explica. “Como si fueras al cine y proyectaran el cortometraje y después la película. En vez de película, concierto. La película es como una canción más o las canciones son como otras películas más”.

Pregunta. La película y las nuevas canciones están íntimamente ligadas, ¿cómo nació el proyecto?

Respuesta. Salió de casualidad. En el verano antepasado mi hija me hizo una fotografía en el malecón de La Habana mirando al mar. Al verla, recordé otra que me hizo mi padre cuando tenía dos años en el malecón de Manila en 1945. Me quedé sorprendido por la casualidad. De vuelta mis hijos hicieron un montaje con las dos fotos y vi que había un motivo a desarrollar. Lo primero que se me ocurrió fue la película, pero también por accidente. Como en el montaje fotográfico nos veíamos de espaldas, hice un dibujo de los dos de frente y ese dibujo me llevó a hacer más dibujos y de ahí a la animación, pero sin saber adónde iría. Hice un dibujo y después otro,... y a partir de ahí me vino la canción. Seguí dibujando y empezaron a salir las otras.

P. ¿Qué diferencia encuentra entre escribir una canción y hacer una película?

R. Es más complicado hacer canciones porque has de traficar con palabras y las palabras son más puñeteras. Encierran conceptos, has de expresar emociones y reflexiones y ha de tener una estructura. Una canción dura tres minutos y tiene que contar algo. En cambio dibujar es la mejor terapia para cualquier tipo de problema mental, dibujar es una medicina barata, divertida y que cura más.

P. El resultado es más autobiográfico que otras veces.

R. Puede ser porque parte de una foto. Mis canciones no son estrictamente autobiográficas, pero son canciones muy subjetivas relacionadas con mi manera de ver las cosas.

P. Algunos temas del nuevo disco inciden en la actualidad...

R. ¡Qué remedio! Me gustaría hacer canciones menos intensas en ese sentido pero vivimos tiempos en que es muy difícil no ser sensible a todo este horror.

P. ¿El artista debe reflejar esta problemática social en su trabajo?

R. No es que se deba sino que es inevitable, salen así las canciones. Leo el periódico o veo algo y tengo la necesidad de hablar sobre el tema. A veces de repente en vez de reflexionar sobre el momento histórico sale una canción de amor pero muy impregnada de este tiempo que estás viviendo.

P. ¿Cómo lo está viviendo?

R. Como todos, con perplejidad ante esta situación de inseguridad, de vértigo, de amenaza de quedarnos a la intemperie. En este disco profundizo en esa sensación de incertidumbre, de angustia, de no ver alternativas, de no creerte lo que estás viendo y te están contando, de estar ya manifiestamente gobernados por terroristas financieros que son quienes deciden. Desconcierto también porque en las crisis anteriores se podían ver alternativas, ahora más que una crisis es una mutación histórica que está acechando a todo el llamado mundo occidental.

P. En un panorama como este, ¿el basilisco es el que nos puede salvar?

R. Es un animal mitológico al que desde hace mucho le tengo un cierto afecto. Es un bicho perverso, pero me cae simpático. Tal vez por eso de que mata con la mirada y porque llora lágrimas de fuego. Tiene capacidad de llorar aunque luego las lágrimas quemen. Tengo un guión escrito para una peli desde hace muchos años que se llama Las lágrimas del basilisco que nunca se hizo. Aquí el basilisco de alguna forma es el monstruo que todos llevamos dentro y que es consecuencia del paso del tiempo entre otras cosas, uno por pura supervivencia va convirtiéndose en un monstruo. Nos vamos monstruorizando, no existe el verbo, pero...

FUENTE: El País - CULTURA