Monstruos de cada día

El pasado viernes Luis Eduardo Aute volvió a tomar contacto con su público barcelonés en el escenario del hasta ahora infrautilizado teatro Artèria Paral.lel. Local para el que parecen estar cambiando las cosas aunque hoy por hoy las noticias sobre la nueva línea de programación son inciertas y solo se intuyen por los espectáculos ya anunciados en su cartelera. Hacía dos años desde la última actuación de Aute en Barcelona y esta vez se presentó de una forma poco convencional: iniciando su actuación con la proyección de una película.

El niño y el basilisco es un nuevo filme de Aute dibujado totalmente a mano en blanco y negro y animado de forma un tanto rudimentaria, hecho este que le confiere un atractivo muy especial frente al derroche de digitalización de cualquier película de animación actual. El corto, de unos veinte minutos, habla sin palabras de los monstruos de cada día. Y precisamente de esos monstruos versó también todo el concierto que siguió.

Aute presentó íntegramente su disco recién aparecido, El niño que miraba el mar, intercalando entre las nuevas canciones otros temas más antiguos y también más populares. Como un cronista de la actualidad más cruda y, al mismo tiempo, más cercana, fue repasando esos monstruos en los que, según sus palabras, el hombre va convirtiéndose. Todo salpicado de sexo, tonalidades anticlericales y bastante poesía de lo cotidiano. En eso, Aute es un mago: aunque su voz hay perdido bastantes enteros sabe explicar las cosas con las justas dosis de distanciamiento e implicación que las hacen creíbles, convierte a cada oyente en un cómplice sin caer nunca ni en el victimismo ni en la proclama mitinera.

Así sucedió en Artèria Paral.lel donde, entre tanto horrible monstruo del presente, recuperó algún recuerdo del pasado, como sus Somnis de la plaça Rovira, cantada en catalán, que estrenó hace un par de años y que habla de la plaza de Gràcia en la que vivió de niño. Recuerdos inocentes que, según su visión, se han ido convirtiendo en monstruos con el paso de los años.

Un concierto sin sobresaltos en el que la voz del cantautor estuvo perfectamente arropada por un sucinto trío en el que destacó una y otra vez la omnipresente guitarra de Tony Carmona.

Roberto Tierz: “Cada cop veig més crispada la gent”

Roberto Tierz creu que avui és molt més difícil programar música
a les sales perquè els gustos de la gent estan molt més barrejats.

Roberto Tierz comanda el Sidecar de la plaça Reial des de la inauguració, el 1983. El seu recinte compleix 30 anys, fet que el converteix en una de les sales de concerts deganes de Barcelona. Amb 54 anys, Tierz és del reduït nombre d’empresaris nocturns que ha vist canviar la ciutat davant dels escenaris.

Pregunta. Ha canviat molt el públic aquestes tres dècades?

Resposta. Avui té més oferta, diversifica els seus gustos i es donen barreges estranyes. Abans, un rocker o un modtenien gustos més previsibles. Però un canvi cabdal és que veig la gent més crispada, veig conductes que no m’agraden, més tensió.


P. Treballar de porter avui dia deu ser complicat.

R. I tant! És molt complicat perquè la gent sap que no poden resoldre les disputes a cops, amb violència. És lógic, és clar, però llavors veus gent que puja de to perquè la resposta del porter ha de ser molt prudent. El personal ha d’anar amb molt de compte i aguantar molt, repeteixo: es veu més crispació a l’ambient.

P. I els gustos del públic estan més barrejats?

R. Abans es feia servir el concepte de tribu, que es referia a punks, rockers, mods... i ara la idea de tribu no serveix, perquè tot està molt més barrejat, excepte potser el hip-hop. Abans pertànyer a un d’aquests grups representava una manera de comportar-se, de sentir i de viure, i ara tot és molt més barrejat, gràcies a la xarxa. Les influències es multipliquen. Em passa amb la meva filla, que no escolta discos, escolta cançons i guarda la que li agrada. Li pot agradar des d’una peça rockera a un hit per a adolescents. Té 14 anys. La música ha perdut part de les seves significacions. Abans, si a un li agradava el rock i coneixia a un altre rocker, ja el considerava un dels seus, s’entendrien segur, convençuts que pensaven el mateix. Ara, els punts de diferència són si ets d’Apple o de Microsoft. La bandereta que ensenyes per identificar-te ha canviat.

P. Llavors, programar avui...

R. Doncs és molt més complicat. Hi ha molta més oferta, i diversa, i és difícil encertar el poder de convocatòria dels artistes. Als inicis dels vuitanta tots érem en tots els concerts, eren els mateixos, hi havia poca oferta. Ara no és així.

P. Està equilibrada l’oferta amb la demanda?

R. Crec que no, a Barcelona hi ha més oferta que demanda. Abans es deia que no hi havia sales, ni grups, i ara hi ha de tot menys públic. He fet proves, he programat grups de manera gratuïta i no han vingut més clients que quan posava preu a taquilla. Aquella curiositat del “vaig i miro què fan mentre prenc una copa” ja no existeix.

P. A què ho atribueix?

R. A l’educació i a una perspectiva errònia des del sector, que té unes expectatives que no es corresponen amb la realitat: igual no hi ha tanta gent a qui interessi la música en directe per consumir-la com una companyia, com quelcom que forma part de la sala, com un fons mentre prens copes… Tot això al marge dels festivals, que són una revetlla molt xula a la qual assisteixo cada any, però són una altra cosa.

P. Què pensa dels concerts domèstics, en domicilis particulars?

R. Tot i que els empresaris els miren amb hostilitat, crec que són el que al cap d’un temps fa que es generi afició. Aquestes coses generen mercat. El que és important és que la gent també cregui que s’ha de pagar per la música en directe. Crec que tot suma per fer públic. Veig altres ciutats d’Europa, tipus Berlín, on la legislació no es tan estricta i estan fent coses molt adients. He vist concerts en botigues de souvenirs. Ho fas aquí i la tens muntada. En aquest sentit, hi ha països europeus que han anat deslegislant. Amb cada canvi polític es legisla sobre el que ja està legislat i arriba un moment que tens tantes coses per complir que és un problema. Em passo la vida mirant si compleixo totes les normatives, el meu gestor està a l’aguait i tenim requeriments que són ridículs, però que has de complir per llei tot i que saps que es tracta de tonteries.

P. I també és semblant la música que punxen a la sala?

R. Hi ha dies que s’assemblen molt a fa 20 anys, i persones que tenen la mateixa pinta.

P. Però atesa la situació de la sala, un imagina que tindran molts estrangers entre el públic.

R. No tants, un 25% de l’assistència en un context de sales i locals que poden arribar a més d’un 90%. Per nosaltres representa un orgull que la gent de Barcelona sigui el gruix de la clientela.

P. Quin percentatge de guanys hi ha entre barra i taquilla?

R. Barres, un 90%; taquilles, 10%. Si Sidecar fos un teatre que tanqués un cop acabada la funció, fa anys que no hauríem tornat a obrir. Les sales, principalment les petites, vivim de les barres, com els cines de les crispetes.

La sala Apolo reabre hoy tras obtener un permiso provisional del Consistorio

La sala Apolo de Barcelona, en el Paral·lel, reabriá hoy sus puertas tras casi tres semanas de cierre, ordenado por el Ayuntamiento de Barcelona. La decisión del Consistorio, motivada por algunos problemas estructurales en el sótano del edificio, también afectaba a un salón recreativo, otro de juegos y tres restaurantes aledaños. El Gobierno local informó ayer en una nota de prensa que entrega el permiso provisional para abrir la sala, pues considera que no hay riesgo para los asistentes, pero insta a los dueños del inmueble a completar las obras en un plazo de seis meses.

Los trabajos de apuntalamiento del recinto subterráneo de la finca, de unos 1.400 metros cuadrados, finalizaron el pasado viernes y fueron revisados por los bomberos, que dieron el visto bueno para la reapertura. La inspección que obligó al cierre, instada por el distrito de Sants-Montjuïc, detectó deficiencias estructurales en los pilares y en la plancha de hormigón armado en el subterráneo de la finca, que colinda con los túneles del metro y el funicular. La causa de la corrosión era la humedad y varias filtraciones de agua y desde un principio se descartó que se tratase de un problema de aluminosis.

Los bomberos dictaminaron que no había “riesgo inminente de colapso” en la estructura pero que no estaban en condiciones de proseguir con su calendario de fiestas y conciertos hasta que no se hicieran los trabajos de “refuerzo provisional de la estructura mediante apuntalamiento”. La medida cautelar, sin embargo, no afectó al edificio de viviendas situado en el mismo número de la calle de Nou de la Rambla.

Ahora el Ayuntamiento da por buenas las obras de apuntalamiento y por ello entrega el permiso provisional para realizar su actividad “en condiciones de seguridad”. Sin embargo, recalca que los dueños de la sala y los locales adyacentes tienen seis meses para realizar las obras definitivas que subsanen las deficiencias estructurales. El Consistorio avisó que, de no hacerse los trabajos en el tiempo determinado, se procederá al precinto de los establecimientos.

Un portavoz de la sala Apolo no especificó cuánto costaron las obras de apuntalamiento y en cuánto se calcula que asciendan las definitivas, pero aclaró que las sesiones de fiesta se retomarán hoy en la noche, con la tradicional fiesta Crappy Tuesdays, de música indie y electro pop. Las puertas se abren a las 23.55.

Por culpa del cierre, la sala tuvo que afrontar varias cancelaciones de eventos, como el concierto de Mala Rodríguez y, según el portavoz, “no habrá nuevas fechas para estos conciertos”. Otros tantos tuvieron que ser trasladados a otros espacios de la ciudad como Sidecar, City Hall o Razzmatazz. Por tanto, el primer concierto que acogerá Apolo, en su sala número dos, será el de la banda Mine!, que presentará este jueves, a las 21.30 horas, su trabajo '100.000 incendis de La fi del món'.

El Museo de la Música se afina

Frederic Mompou, fotografiado
por su hermano Josep, junto a la Sagrada Familia.

Nombrado en septiembre, Jaume Ayats, no fue presentado como nuevo director del Museo de la Música de Barcelona hasta ayer, coincidiendo con la presentación de la nueva exposición temporal que tiene como protagonistas a Frederic Mompou y Antoni Gaudí. Una muestra que ha de impulsar el centro para que deje de ser “invisible”. Un gran reto para Ayats, acostumbrado a lidiar con orquestas y escuelas de músicas, que desde ahora tiene que conseguir que el museo instalado en el flamante complejo construido por Rafael Moneo para el Auditori de Barcelona deje de ser solo un lugar donde se exponen instrumentos y, consiga superar las bajas cifras de visitantes (33.000 en 2011). Ayats también ha asumido la dirección del centro Robert Gerhard de la Generalitat, que promociona el patrimonio musical catalán. “El museo tiene que dejar de ser un centro escondido en un rincón de la ciudad”, ha asegurado el nuevo director.

Para conseguir que el museo (situado entre los tres más importantes de Europa, junto a los de Bruselas y París) llegue a más y más diverso público, el centro, con un presupuesto anual de 1,2 millones de euros, ha de ser, una especie de “ágora de debate y un motor de divulgación y de experimentación de la música catalana”, defendió el nuevo director.

Sin entrar a detallar su estrategia, explicó, en presencia de Jaume Ciurana, presidente del Auditori y concejal de cultura barcelonés y Xavier Solà, vicepresidente del centro y número dos del departamento de Mascarell, que el museo se promocionará con mayor presencia en la calle, “en el bus turístico y en todos los circuitos habituales destinados al turismo de Barcelona”, en las escuelas y en Internet, incorporando a la red la colección de instrumentos, y con acciones como visitas a parte de los fondos, como a la colección de guitarras, que pasa por ser una de las mejores del mundo, según el propio Ayats.

Otra de las iniciativas es la organización de exposiciones temporales. Y si en uno de los protagonistas es Gaudí, la presencia está garantiza. EnEl sonido de la luz. Mompou/ Gaudí, un proyecto del músico Adolf Pla y el fotógrafo Marc Llimargas se explican los paralelos entre estos dos artistas, tanto en lo que hace referencia a la concepción de su arte como a las fuentes de inspiración. A través de documentación y objetos inéditos —se exponen más de 80 piezas originales de Mompou nunca exhibidos, desde medallas, discos, partituras y recuerdos personales—, además de su piano que sigue lanzando al aire el tono metálico que tanto gustaba al compositor de la música callada.

Personal, espiritual, miniaturista y autor de breves sintonías —seguramente la más famosa es la de la cadena SER, creada en 1951— Mompou pese a ser, junto a Falla, el compositor que más bibliografía ha generado, no es un compositor muy interpretado.

Los comisarios han resaltado la inspiración natural, la sencillez de elementos y la originalidad de los dos autores de gran espiritualidad. “Mompou sentía que si una obra estaba bien era porque algo superior la había hecho y no nosotros”, aseguró Pla. La exposición termina con una idea sugerente: La Sagrada Familia fue concebida por Gaudí como un enorme instrumento musical, con tres órganos monumentales y un coro multitudinario, además de 12 torres perforadas a modo de tubos de un órgano con siete campanas cada una. Para callar a incrédulos, Pla aseguró que está en marcha una tesis sobre el tema. El clímax llega cuando en una instalación sonora, el visitante puede oír las campanas del templo tocar una de las melodías de Mompou.

Luís Eduardo Aute: “Estamos gobernados por terroristas financieros”

Luís Eduardo Aute

Tras 46 años de carrera profesional, Luis Eduardo Aute no baja la guardia. Su último trabajo recién editado, El niño que miraba el mar, incluye un cedé con 12 canciones y un DVD con la película de animación El niño y el basilisco realizada totalmente a mano por el propio artista. El próximo viernes, Aute presentará este trabajo en Barcelona, en la sala Arteria Paral.lel.

“Primero se proyecta la película que dura unos 20 minutos y después viene el concierto”, explica. “Como si fueras al cine y proyectaran el cortometraje y después la película. En vez de película, concierto. La película es como una canción más o las canciones son como otras películas más”.

Pregunta. La película y las nuevas canciones están íntimamente ligadas, ¿cómo nació el proyecto?

Respuesta. Salió de casualidad. En el verano antepasado mi hija me hizo una fotografía en el malecón de La Habana mirando al mar. Al verla, recordé otra que me hizo mi padre cuando tenía dos años en el malecón de Manila en 1945. Me quedé sorprendido por la casualidad. De vuelta mis hijos hicieron un montaje con las dos fotos y vi que había un motivo a desarrollar. Lo primero que se me ocurrió fue la película, pero también por accidente. Como en el montaje fotográfico nos veíamos de espaldas, hice un dibujo de los dos de frente y ese dibujo me llevó a hacer más dibujos y de ahí a la animación, pero sin saber adónde iría. Hice un dibujo y después otro,... y a partir de ahí me vino la canción. Seguí dibujando y empezaron a salir las otras.

P. ¿Qué diferencia encuentra entre escribir una canción y hacer una película?

R. Es más complicado hacer canciones porque has de traficar con palabras y las palabras son más puñeteras. Encierran conceptos, has de expresar emociones y reflexiones y ha de tener una estructura. Una canción dura tres minutos y tiene que contar algo. En cambio dibujar es la mejor terapia para cualquier tipo de problema mental, dibujar es una medicina barata, divertida y que cura más.

P. El resultado es más autobiográfico que otras veces.

R. Puede ser porque parte de una foto. Mis canciones no son estrictamente autobiográficas, pero son canciones muy subjetivas relacionadas con mi manera de ver las cosas.

P. Algunos temas del nuevo disco inciden en la actualidad...

R. ¡Qué remedio! Me gustaría hacer canciones menos intensas en ese sentido pero vivimos tiempos en que es muy difícil no ser sensible a todo este horror.

P. ¿El artista debe reflejar esta problemática social en su trabajo?

R. No es que se deba sino que es inevitable, salen así las canciones. Leo el periódico o veo algo y tengo la necesidad de hablar sobre el tema. A veces de repente en vez de reflexionar sobre el momento histórico sale una canción de amor pero muy impregnada de este tiempo que estás viviendo.

P. ¿Cómo lo está viviendo?

R. Como todos, con perplejidad ante esta situación de inseguridad, de vértigo, de amenaza de quedarnos a la intemperie. En este disco profundizo en esa sensación de incertidumbre, de angustia, de no ver alternativas, de no creerte lo que estás viendo y te están contando, de estar ya manifiestamente gobernados por terroristas financieros que son quienes deciden. Desconcierto también porque en las crisis anteriores se podían ver alternativas, ahora más que una crisis es una mutación histórica que está acechando a todo el llamado mundo occidental.

P. En un panorama como este, ¿el basilisco es el que nos puede salvar?

R. Es un animal mitológico al que desde hace mucho le tengo un cierto afecto. Es un bicho perverso, pero me cae simpático. Tal vez por eso de que mata con la mirada y porque llora lágrimas de fuego. Tiene capacidad de llorar aunque luego las lágrimas quemen. Tengo un guión escrito para una peli desde hace muchos años que se llama Las lágrimas del basilisco que nunca se hizo. Aquí el basilisco de alguna forma es el monstruo que todos llevamos dentro y que es consecuencia del paso del tiempo entre otras cosas, uno por pura supervivencia va convirtiéndose en un monstruo. Nos vamos monstruorizando, no existe el verbo, pero...

FUENTE: El País - CULTURA

Ciclón Poveda

"Ahí está mi padre”. La voz de Miguel Poveda se quiebra al señalar ese chopo noble y majestuoso a orillas del Guadalquivir en cuyas raíces, pegaditas al puente de Triana, descansan las cenizas de un hombre bueno. El cantaor, ciclón de ojosachinaos y cara de niño travieso que interpreta el flamenco con la pureza de un viejo, calla por un instante y se funde con su madre, doña Felicia, y su hermana Sonia en un abrazo inconmensurable como el lorenzo de primavera que cae sobre los turistas ociosos del lado de allá, en los bajos del sevillano paseo de Colón. Del lado de acá, en la orilla de Triana, la esposa y los hijos de Francisco Poveda contemplan en silencio la estampa de aquel chopo al que días atrás confiaron su eterno descanso.

La vida de Miguel Poveda ha quedado recientemente grabada a fuego en este paseo que va desde el puente de Triana hacia el palacio de San Telmo. Ambos puntos cardinales pasaron a formar parte de su educación sentimental a finales de febrero. Junto al puente dio un último adiós a su padre, Francisco, tras la infructuosa espera de un trasplante de corazón que no llegó a tiempo. Un duelo que prácticamente ha coincidido con la concesión de la medalla de Andalucía en San Telmo, sede del Gobierno regional. Y Poveda, que fue charnego en Cataluña y ahora es catalán residente en el Sur, pasea todas estas contradicciones con garbo por la trianera calle del Betis tras abrazar a su familia frente a un chopo. “Mi padre, como mi madre, forma parte de todo lo que me ha pasado. Él ha sido el ser más sensible y profundo que he conocido. Fue un mecánico tornero que tuvo que dejar de trabajar por sus problemas de corazón. Pero se emocionaba, hablaba y reía con los ojos. Mi sensibilidad la heredé de él. Y él sabe que mi felicidad la encontré aquí. Cuando me concedieron la medalla de Andalucía la agarré bien fuerte. Fue una forma de estar cerca de él. Como ahora”.

Ahora es uno de esos momentos en los que el cantaor está de verdad a gusto. Dispuesto a compartir mesa y mantel con su madre y su hermana. En un restaurante de su devoción frente a la Torre del Oro que derrocha vanguardia en un entorno de belleza clásica y desde donde puede divisarse a lo lejos el chopo de su padre. Alternando lonchas translúcidas de jamón serrano y un buen solomillo de ternera con sorbos de agua sin gas y caladas de tabaco light. Pero antes de seguir los pasos del cantaor por Triana y dejarnos llevar por la gastronomía y la conversación fuimos a conocer un nuevo motivo de dicha que se une a sus recientes sentimientos encontrados. Se llamaArteSano y es su segundo trabajo con el sello Universal tras el pelotazode sus Coplas del querer, que obtuvo sendos discos de oro y platino. Poveda ha vuelto a empaparse de esencia flamenca con 13 cantes, para los que ha contado, entre otros, con la colaboración estelar de Paco de Lucía y Manolo Sanlúcar al toque y con la voz del maestro Rancapino en unas bulerías de Cádiz que se salen por los cuatrocostaos.

A media mañana, el cantaor hizo acto de presencia en su oficina a las afueras de Sevilla con los ojos parapetados tras unas Ray-Ban de pera. Vestido con chaqueta sport de Hugo Boss, jeans negros, camiseta blanca de manga corta con chalequillo marrón y zapatillas de Moschino. Lucía bronceado y un arreglo de barbas y cabello tan modernos como toda su imagen. De esta guisa tan rompedora se puso a buscar en unMac de última generación un impagable vídeo donde aparece María La Sabina cantando unos fandangos por soleá. Y la estremecedora imagen en blanco y negro de María La Sabina resucitó en pleno siglo XXI con un simple clic de este tipo de mediana estatura que ronda la cuarentena y parece sacado de un número de la estilosa revista Vogue Uomo.Poveda encontró en este vídeo de YouTube la inspiración para Te desafío, uno de los temas de su nuevo disco. Él no se considera a sí mismo un cantaor enciclopédico, como llamaba el maestro Morente a quienes saben de dónde viene y hacia dónde va un cante. Pero sí se ha esmerado en conocer el terreno que pisa. Atesora todos los mimbres para bordar con igual fortuna en este nuevo trabajo desde los tientos de arranque (Con ser tan sabio) hasta la malagueña De la Peñaranda, las alegrías de Serafino o la bellísima soleá apolá titulada Convivencias, en la que homenajea con letra propia a Mairena y a Marchena. “Soñé un día que al cante lo llamaban libertad”, proclama con esa voz portentosa que juega a su antojo al interpretar la infinidad de matices que requiere una soleá bien ejecutada y no cesa de beber en las aguas del flamenco más puro.

Su vuelta a las esencias de este arte no se debe a que se haya hartado de copla. Eso sería imposible en su caso. Para Poveda no fue lo primero el flamenco o la copla, sino los dos géneros a la vez. A pesar de los prejuicios de los más ortodoxos. “Él canta copla’, me decían. No me dolía, pero es que no se trataba de nada novedoso. La mía no es una actitud valiente. La Niña de los Peines ya era moderna interpretando coplas por bulerías. El flamenco se trajo la copla a su terreno”. Si no valiente, su actitud al menos tiene una categoría ampliamente reconocida. Tanto como para que una artista de la talla de Martirio, renovadora absoluta del género que llevó hasta a los progres a recuperar la copla con una personalísima amalgama de estilos, afirme lo siguiente: “Como Miguel canta la copla no la canta nadie”. Antes de viajar a México para compartir escenario el próximo 15 de abril con la gran Chavela Vargas en el Palacio de Bellas Artes, Martirio argumenta al teléfono la hegemonía de Poveda: “Es fruto de su sentimiento, su elegancia, su estilo reconocible, de todo lo que ha recogido de otras músicas y por cómo domina y adapta los melismas del flamenco. No tiene prejuicios a la hora de buscar en el mundo el enriquecimiento de su música. Puede permitirse hacerlo porque conoce las raíces. Domina los cantes antiguos sin dejar de permanecer atento al tiempo en el que vive. Pero más allá de todo eso, es una figura para siempre de la música española”. Poveda, risueño y tranquilo, resume su propia visión: “Con la copla llamé la atención, pero yo nunca pensé ser un cantante de copla. Siempre quise ser cantaor”.

Miguel Ángel Poveda León, más conocido como Miguel Poveda para mayor gloria del cante jondo, nació en Barcelona a las 13 horas del 13 de febrero de 1973. Hijo de murciano y manchega, charnego a mucha honra, criado en Badalona, encontró en el tocadiscos Philips de su madre el paraíso de libertad que le negaba la escuela. Al niño no le gustaba salir a jugar con los chavales de su barrio, la Bufalà, “que estaban embrutecíos”. Prefería quedarse en casa al salir del cole escuchando lo que aquel Philips escupía sin cesar. Caracol, La Niña de los Peines, La Paquera, Marifé, Bambino, Valderrama, Molina, Camarón... Eran los discos de su madre. Los de su padre iban más por Pink Floyd, Jean Michel Jarre o Boney M. Que estaban muy bien, pensaba el niño Miguel Ángel, pero no era lo que a él le gustaba. Con el tiempo consiguió un radiocasete con el que grabó compulsivamente todo lo que salía por la radio y guardaba relación con sus gustos. Y escuchaba y escuchaba, encerrado en su cuarto. Se convirtió en un muchacho solitario, de pocos amigos, aferrado al cante como paraíso artificial. “Mi refugio fue la música. Cuando cumplí 15 años, decir que te gustaba el flamenco era sinónimo de hortera. Yo no era de [la revista juvenil] Super Pop, lo que se llevaba entonces. Yo era de encerrarme en casa a ver vídeos de artistas con mi amigo Manolo y mi amiga Conchi cuando mi madre, que era empleada de hogar, salía a limpiar casas”.

La llegada de la adolescencia le llevó a las peñas flamencas de Badalona. Abandonó los estudios y durante la semana era Miguel, el niño de los tubos que trabajaba de aprendiz de tubero en la obra. Los fines de semana daba rienda suelta en las peñas a Miguel Poveda, aquello en lo que soñaba convertirse. Pero la mili se interpuso en su camino. “Llegué con 19 años y estaba acarajotao. Me faltaba calle. Cuando subí al tren de camino a Huesca pensé: ‘Me van a matar’. Me pasé los seis primeros meses llorando. Nos tocó un capitán enfermo de la guerra. Pasé de estar en casa escuchando flamenco a verme con un Cetme colgao del hombro y cantando: ‘¡Sadam Hussein, eres un hijoputa, la tienes pequeña y diminuta!’. Esos gritos, esos documentales de guerra… Y esa gente de mi edad a los que veía de repente fumando porros y metiéndose rayas… Después he visto de todo, pero en aquel momento no había visto en mi vida nada así. Y, además, me pasé toda la mili intentando que nadie me dijera mariquita, tratando de ser lo más macho posible. Me monté mi personaje para sobrevivir”.

Lo logró. Un año más tarde se presentó en el Festival de las Minas de La Unión con pendiente en la oreja y corte de pelo marcial, recién salido del cuartel y apenas baqueteado en un tablao de Barcelona. Pero formó un jaleo cuyos ecos aún resuenan en la mente de los aficionados. Fue allí donde estalló el ciclón Poveda que veinte años después no parece tener fin. Conquistó cuatro de los cinco premios del Festival de La Unión de 1993, emblemática lámpara minera incluida, y dejó al respetable patidifuso. Pero nada iba a ser fácil para un payo de Badalona. “¿Y este, qué nos va a contar a nosotros?”, se preguntaron los guardianes de las esencias. Muchos de ellos le retiraron el saludo. Incluso, algunos artistas a los que admiraba. No se dejó amedrentar.

Al poco de ganar el Festival de La Unión tuvo entre su público a Bigas Luna. El cineasta preparaba entonces la culminación de su particular Trilogía Ibérica con La teta y la luna. “Fui a verle actuar en un local muy pequeñito y me conmovió mientras cantaba un martinete”, recuerda Bigas, hoy inmerso en la preparación de Segundo origen, una película en 3D. “No soy experto en voces, pero sí en sentimientos. Y la expresión de su sentimiento me hizo derramar lágrimas aquel día. Solo me ha pasado algo así viendo un espectáculo en tres ocasiones: con una faena de Manzanares padre en la que tras entrar a matar rompió a llorar mientras el animal moría, con unos castellets que se caían y volvían a intentarlo una y otra vez, y viendo cantar a Miguel Poveda un martinete. Enseguida le propuse actuar en La teta y la luna”. También llegaron los primeros discos, que el cantaor no revisita porque reconoce haber grabado en sus comienzos algunas “cancioncitas” de las que huye.

Hoy es, como dice Bigas Luna, “alguien que ha traído una de las cosas más antiguas de este país al siglo XXI”. Su tesón ha pulverizado no solo todos los récords, sino también un buen puñado de tópicos y clichés a los que todavía se agarran como a un clavo ardiendo los ortodoxos másflamencólicos. “Yo no tengo la culpa de que señores como Pansequito o Calixto Sánchez no canten”, argumenta sobre la avanzadilla encabezada el pasado verano por Pansequito para iniciar una cruzada de “los artistas olvidados” ante la Junta de Andalucía, a la que exigieron trabajo y acusaron de “amiguista”, mientras que el también cantaor Calixto Sánchez reclamaba un hueco para los veteranos. Sánchez arremetió en una entrevista concedida al diario Abc contra figuras actuales como Poveda, Arcángel y Estrella Morente, catalogándolos como “cantaores nuevos a los que la Junta y la Diputación dan todo el trabajo”. Poveda responde hoy al respecto: “Sánchez no puede decir que yo no represento al flamenco porque hagan un festival en Londres y vaya yo en vez de él. Yo no le he quitado el pan a nadie y él me critica por ir a Mairena. Oiga, que soy cantaor flamenco. ¿Dónde quiere que cante, en la OTI?”.

Casi todos han acabado con los años rindiéndose ante el genio de un fuera de serie. A Poveda le han galardonado incluso desde la Cátedra de Flamencología de Jerez. Por no hablar de cómo le reciben cada vez que pisa el barrio de Santiago, baluarte de la inspiración más honda del flamenco. Que es un número uno nadie lo duda ya. Si Paco de Lucía y Manolo Sanlúcar han querido estar a su lado en su nuevo disco será por algo. No es que esté de moda. Es el presente y el futuro inmediato del flamenco. No pertenece a ninguna dinastía del género, pero se ha convertido en gerifalte por derecho propio. Ha arrasado por igual ante públicos de Ramala (Palestina) que de Nueva York. Ha colaborado con personalidades tan dispares como el dramaturgo Calixto Bieito, la fadista Mariza, el bandoneonista argentino Rodolfo Mederos, el inimitable bailaor Israel Galván, Santiago Auserón o Martirio. Poveda es el mundo. Ha cantado a Gil de Biedma, Alberti o Valente. Ha colaborado con Serrat en su disco dedicado al poeta Miguel Hernández. Trabajó con Alberto Iglesias para la banda sonora de Los abrazos rotos, de Pedro Almodóvar, donde sentó cátedra con la zambra A ciegas, de Quintero, León y Quiroga. En su discografía han tenido cabida incluso poetas catalanes a los que puso voz con música de Joan Albert Amargós en Desglaç (2005). Se faja con una soleá como puede hacerlo con el fado, la ranchera o el bolero. Y ya solo cabe preguntarse qué le queda por hacer. ¿Entonar un blues, por ejemplo? Poveda se planta. “No puedo caminar por terrenos donde no pise firme”.

Sigue teniendo poquitos amigos. Curro Romero e Isabel Pantoja están entre ellos. “Sí, soy muy pantojero, muy de La Jurado, muy de Marifé y muy de Lola Flores”, afirma entre risas. “No tengo prejuicios a la hora de decir que me gusta un artista, al margen de los elementos negativos que puedan rodearle. De Isabel me gusta su arte, los cuchicheos no me interesan”. Y con el Faraón de Camas acabó tejiendo amistad porque es su vecino de chalé en la urbanización a las afueras de Sevilla, ciudad en la que lleva viviendo casi diez años. “Aquí he sentido el amor de muchos amigos y de la propia Sevilla. Amores de otro tipo también he tenido, pero no muchos. Hoy no hay amor en mi vida. A ver… Soy muy enamoradizo. Y necesito del amor para cantar las cosas. Pero la gente que pasa no siempre merece la pena”.

Con la misma sinceridad ha dicho lo que piensa en más de una ocasión a través de su cuenta de Twitter. Y le enerva el trato que a veces recibe por hacerlo. “Desgraciadamente, no se respetan las ideologías. Cuando mostré mi apoyo al 15-M me dijeron varias veces que cerrara la boca: ‘Ya tienes un disco menos’. Pues yo no tengo una boca solo para cantar, faltaría más. Los recortes en sanidad y educación me dan mucho miedo. Nos vamos a convertir en cachos de carne, en bultos sospechosos, en gente embrutecía. Le doy muchas vueltas a esto. Hago una música que habla de lo cotidiano, de las cosas sencillas… Si no toco suelo, ¿qué coño canto yo?”.

¿Hasta cuándo seguirá arrasando el ciclón? Qué más da. No acaba de llegar, pero parece que lo suyo, como a Messi, no se le acabará nunca. De hecho, abruma como un Messi del cante. Infalible, jondo, arrastraocuando toca, portentoso cuando se requiere. Haciendo gala de un abrumador dominio técnico no exento de gracia y de ángel. El cantaor mira de nuevo hacia ese chopo a la vera del puente de Triana y pega otra calada al cigarrillo light. “A mí me gusta estar desinhibío, estar aquí, con mi madre y con mi hermana, con alguien que sea gracioso. No hace falta ser artista para eso. Si el que está enfrente me da todo eso y, además, se llama Pedro Almodóvar, fantástico. Y si no, también. Me dan mucha pereza las poses. Y hay una parte que envuelve a todo esto que no me gusta. No soy nada artistero. Ni farandulero. No sé cuánto más voy a durar. Hoy tengo 39... Quizá hasta los 55. No me gustaría estar toda la vida en esto. Con el tiempo quiero hacer una antología, pero necesito tener más poso. Contra más cultives todos los sentimientos del ser humano y contra más vivas, más verdaderas vas a decir las cosas en el flamenco”.

El psiquiatra del barroco

Philippe Herreweghe actuará en España a finales del mes de abril.

Así como Borodin era médico y Sinopoli fue psiquiatra, el director flamenco Philippe Herreweghe ingresó también en las facultades de medicina y psiquiatría de Gante, compaginando ambas carreras con los que recibía en el Conservatorio, de piano, órgano y dirección de orquesta. Con el tiempo, y para fortuna de los melómanos, la música venció y él fundó el Collegium VocaleGent. Su profundo conocimiento de la mente y del cuerpo le han facilitado una comprensión profunda de la música, en especial la del barroco, y muy concretamente la de Johann Sebastian Bach, a lo cual ha ayudado también su colaboración con dos bachianos de excepción como Harnoncourt y el recientemente fallecido Leonhardt, con quienes grabó en los años 70 y 80 la integral de las cantatas.

Desde aquellos tiempos este adalid del historicismo ha vivido mucha música y su repertorio se ha extendido en los siglos hasta dominar Beethoven (acaba de completar en Pentatone una renovadora integral de sus sinfonías con la Royal Flemish Philharmonic) y alcanzar lejanías como Mahler y Stravinsky, pero los amores de juventud nunca mueren, y en la frontera de abril y mayo dirigirá en Vic y Barcelona a su Collegium Vocale en La Pasión según San Mateo de Bach. Su grupo se quedará en España unos días más para interpretar en Madrid un programa mozartiano bajo la dirección de Jos van Immerseel.

Herreweghe, cuyo flamante sello propio Phi demuestra su inagotable inquietud y actividad, ha lanzado recientemente al mercado un disco con obras para coro y orquesta de Brahms y dos excelentes álbumes que insisten en la maravillosa música de Bach con la integral de los motetes y la Misa en si menor. Podemos esperar un buen flujo de lanzamientos, pues el maestro belga tiene previsto grabar tres discos cada año con el Collegium Vocale Gent y uno o dos con la Orchestre des Champs-Elysées de París.

El Liceu presenta la programación 2012-2013

El teatro rendirá tributo a Wagner y Verdi, en el bicentenario de sus nacimientos.

Joan Francesc Marco y Joan Matabosch, director general y director artístico, respectivamente, acaban de presentar la programación de la próxima temporada del Gran Teatre del Liceu. De los 15 títulos operísticos programados, seis serán en versión de concierto, se repondrán antiguas producciones del teatro, se recuperarán títulos populares no vistos durante muchos años y dos óperas serán estrenos absolutos. También será la temporada en que Josep Pons asumirá la dirección musical.

El inicio será en septiembre con la llegada de la Orquesta y Coro del Festival de Bayreuth, 57 años después de su primera visita, que ofrecerá en versión de concierto Der fliegende Holländer, Lohengrin y Tristan und Isolde. Este acontecimiento constituirá el pórtico de otros actos culturales relacionados con el segundo centenario del nacimiento de Wagner. Así, dentro de la temporada encontramos la representación de Das Rheingold y Rienzi (ésta en versión de concierto). También de gran interés será la proyección de Los Nibelungos, de Fritz Lang, acompañada de la interpretación en directo de la partitura original de la banda sonora de Gottfried Huppertz. Para conmemorar también el bicentenario de Verdi se ha programado una nueva producción de La forza del destino, con Renato Palumbo como director musical. Se incorporarán al Liceu tres óperas que faltaban aún en su trayectoria: Il turco in Italia, ópera de juventud de Gioachino Rossini; Iolanta, de Tchaikovsky, en versión de concierto por la Orquesta y Coro del Teatro Mariinski de Sant Petersburgo, con las figuras de Valeri Gergiev, y la soprano Anna Netrebko, que debuta así en el Liceu; y  Street Scene de Kurt Weill. Entre las óperas que completan la temporada debemos citar tres óperas italianas: Madama Butterfly, de Puccini, en una coproducción con el Royal Opera House Covent Garden de Londres; Il pirata de Bellini con Mariella Devia; y L’elisir d’amore de Donizetti, en la propuesta de Mario Gas y protagonizada por Rolando Villazón. La ópera francesa estará representada por Les contes d’Hoffmann de Offenbach, con Natalie Dessay en una nueva coprodución del Liceu con la Ópera de San Francisco, que será dirigida escénicamente por Laurent Pelly. Y de la ópera checa nos llegará una producción de Rusalka, de Dvórak, con dirección musical de Andrew Davis y dirección de escena de Stefan Herheim. La temporada finalizará con Lucio Silla, ópera seria de un jovencísimo Mozart.

La oferta complementaria de la ópera estará formada por una serie de recitales y de conciertos con solistas como Joyce Di Donato o Bejun Mehta. Además de celebrar en esta temporada la edición número 50 del Concurso Francesc Viñas, la Orquesta Sinfónica del Gran Teatre dará una serie de conciertos en el Palau de la Música y el Auditori, dirigida por Pons. Con respecto a la danza, destacará la compañía de Nueva York Alvin Ailey American Dance Theater, con bailarines afroamericanos que integran su concepción personal de la experiencia étnica y de la danza moderna americana. También visitará Barcelona el Ballet Theatre, con el Don Quijote de Minkus con la mítica coreografia de Marius Petipa. La tercera compañía será la del Ballet del Teatro Nacional de Praga con su célebre versión de El Cascanueces de Tchaikovsky. La cuarta será la Ballett am Rhein Düsseldorf Duisburg, la compañía estable de la Oper am Rhein, que presentará El arte de la fuga, de Bach, con una coreografía del innovador Martin Schläpfer, estrenada el 2002, que ha sido calificada como “el misterio de Bach hecho movimiento”.

Los trabajadores del Liceo organizan su propio concierto

Cantantes como Roberto Alagna, Joan Pons y Ainhoa Arteta actuarán gratis en el coliseo el próximo 22 de abril

Los trabajadores del Gran Teatre del Liceu de Barcelona quieren demostrar que el teatro sigue vivo pese a las amenazas de ERE y huelga, y una programación cancelada de la cual la dirección sólo consiguió recuperar al 100% un título, Pélleas et Mélisande. El concierto especial, al margen de la dirección, que tendrá a los cantantes Roberto Alagna, Joan Pons y Ainhoa Arteta, y a los directores Bertrand de Billy, Sebastian Weigle, Michael Boder y Josep Pons así como otras estrellas por desvelar como principales reclamos, tendrá un único precio de 15 euros, y además se colocará una pantalla gigante para que pueda seguirse desde las Ramblas. Otros cantantes, como Plácido Domingo, no podrán asistir por problemas de agenda, pero enviarán vídeos de apoyo. El concierto evidencia la distancia cada vez más grande entre el comité de empresa y los gestores del teatro, ya que de hecho, antes de este proyecto la dirección había previsto para el día 22 por la tarde otro concierto que han tenido obligatoriamente que retirar de programa.

El violinista de la orquesta Charles Courant ha explicado que el objetivo es agradecer el apoyo del público, los abonados y los mecenas en los últimos meses. Courant ha remarcado que la retirada del ERE no ha llevado la paz al Liceu, porque el teatro es una gran máquina “que se atasca si la incompetencia y la mezquindad se apoderan de su engranaje”. Este concierto se está preparando fuera del horario laboral, y los que en él participarán no cobrarán por todas las horas extra que ello implica, además los cantantes actuarán gratis, recibiendo sólo transporte y alojamiento.